فيلم “عربة اسمها الرغبة” .. رحلة تتأرجح بين خراب الذات وسطوة الواقع

تتفتح شوارع نيو أورليانز في فيلم A Streetcar Named Desire كلوحة نابضة بالحياة، لكنها مشبعة بالحنين والخذلان، فتتسرب الأرواح بين نوافذ ضيقة وأزقة مترهلة، وتصبح المدينة مرآة للمآسي الداخلية للبشر. وتدخل شخصية بلانش دوبوا وهي تحمل حقيبة من أوهامها وأحلامها المتكسرة، وكأن كل خطوة تقطع على نفسها وعدًا بالنجاة من الماضي الذي يطاردها بلا هوادة، فتتساءل النفس عن الثمن الذي تدفعه المرأة لرغباتها وأوهامها في عالم لا يرحم الحالمين. ويهمس الفيلم في أذن المشاهد بأسئلة تهوي به إلى أقصى الأعماق: هل يمكن للبراءة أن تصمد أمام الوحشية؟ وهل يكفي الحلم ليبقي الروح على قيد الحياة؟

وتتسرب الكلمات من شفاه بلانش كما تتسرب الأضواء عبر النوافذ: “أنا لا أريد الواقعية، أريد السحر”، فتتحوّل العبارة إلى صرخة حزينة وشاعرية في آن واحد، تفتت الصمت وتحوّل المكان إلى فضاء مشحون بالمأساة والجمال في الوقت نفسه. ويصبح كل صوت وكل حركة وكل ضوء وسيلة لرسم النزاع الداخلي، حيث يتقاطع الماضي مع الحاضر، والرغبة مع الخوف، والحنين مع الألم، ليصنع المخرج إيليا كازان تجربة سينمائية تمتص الروح وتترك القلوب معلقة بين التوق والصدمة. ويظل فيلم “عربة اسمها الرغبة” رحلة لا تنتهي بين الظل والنور، بين الحب والفقد، بين الأحلام التي نحلم بها والأحقاد التي لا تُمحى.

فوضى الروح بين الضوء والظلال

يتقدم فيلم A Streetcar Named Desire / “عربة اسمها الرغبة” (1951/ المدة 122 دقيقة) ليكشف تراجيديا بلانش دوبويس التي تهرب من ماضيها المثقل بالخسارات نحو بيت أختها ستيلا في نيو أورليانز. وتجد بلانش نفسها محاصرة بعالم صاخب وخشن يقوده ستانلي كوالسكي، الزوج الغاضب الذي يرى في حضورها تهديداً لنفوذه ورجولته. وتتداخل الأوهام مع الحقيقة في ذهنها بينما تحاول الحفاظ على بقايا أناقتها وصورتها القديمة، في حين تتصاعد المواجهة بينها وبين ستانلي حتى الانهيار الكامل. ويقود انهيارها النفسي إلى تفكك عالمها الداخلي، لتقول في لحظة انكسار: “كنت أحتمي بالخيال لأن الحقيقة كانت أكثر قسوةً من أن تُحتمل”. ويغدو مصير بلانش مرآة لصراع بين الرغبة والعقل، وبين الماضي والحاضر، وبين هشاشة الروح وقسوة الواقع الذي يلتهم كل شيء ولا يُبقي إلا رماده.

ويأتي فيلم “عربة اسمها الرغبة” للمخرج إيليا كازان وكاتب السيناريو تنيسي ويليامز كبنية درامية متوترة تستند إلى أداء لافت لفيفيان لي في دور بلانش دوبويس، وكيم هنتر في دور ستيلا، ومارلون براندو في دور ستانلي كوالسكي. ويستند الفيلم إلى نص مسرحي يشتعل بشهوات المكان وحرائقه الداخلية، ويحوّل البيت الضيق في نيو أورليانز إلى مختبر نفسيّ يكشف هشاشة الجسد وتصدعات الروح. ويبدأ الفيلم بتقديم بلانش ككائن من الماضي، امرأة تحاول إنقاذ ما تبقى من هويتها الممزقة، بينما ينهض المكان بملمسه الحار ليرفع الستارة عن صراع يتجاوز الحدود المادية إلى أعماق الذات.

وتتجلى النفسيات حين تتحرك بلانش داخل البيت كمن يواجه أشباحه، إذ يبني الفيلم علاقتها بالظلال والأضواء الخافتة لتأكيد خوفها من الحقيقة. وتقول في إحدى لحظات الاعتراف: “لم أحتمِ بالضوء يوماً… لأن الضوء يكشف ما حاولت نسيانه”. ويضع المخرج كازان الكاميرا أمام وجهها لتلتقط الارتجاف والقلق والانهيار، في حين يرسّخ براندو حضور ستانلي الجسدي كقوة معاكسة، قوة لا تكتفي بمطاردة بلانش وإنما تكسر عالمها الرمزيّ قطعة بعد أخرى.

وتنهض الأبعاد الجسدية من خلال الأداء الجسدي المتسم بالعنف لمارلون براندو، الذي يجعل الجسد لغة عنيفة، وصوتاً، وظلاً، وتهديداً. ويقدّم الفيلم جسد ستانلي بوصفه النقيض المباشر لجسد بلانش الشفيف. ويولّد هذا التناقض تياراً من التوتر المتراكم الذي يمنح السرد توهجه. وتقول بلانش مخاطبة ستيلا: “لم أعرف رجلاً يشبه عاصفة مثله”، وهي عبارة تختصر العلاقة بين الرغبة والدمار، وبين العاطفة والقسوة.

وتنبثق الأبعاد السردية من قدرة النص على جعل الصراع الداخلي يتجسد خارجياً في شكل مواجهات متواترة، إذ تتقدم الحكاية عبر تدريج أصوات الشخصيات أكثر مما تتقدم عبر الأحداث. ويستثمر الفيلم الحوار كأداة تحليل نفسيّ، بينما يعكس الفضاء الضيق حالة الاختناق التي تعيشها بلانش. ويغدو البيت ذاته شخصية خامسة في الفيلم، شخصية ساكنة لكنها تصرخ من بين الشقوق والأبواب المغلقة.

وتشتعل الأبعاد الخطابية حين يجعل النص العلاقة بين بلانش وستانلي صراعاً بين عالمين: عالم القيم الأرستقراطية الزائفة التي تتشبث بها بلانش، وعالم القسوة الطبقية الجديدة التي يمثلها ستانلي. ويقول ستانلي في إحدى لحظات التفوق: “أنا لا أخاف من الحقيقة… بل أخاف ممن يهربون منها”، جملة تؤكد موقفه المادي والعدمي من العالم. وينجح الفيلم في تحويل الخطاب إلى لغة حارقة تكشف التحولات الاجتماعية في أميركا بعد الحرب العالمية الثانية.

وتتوازن الأبعاد الهوياتية حين يرسم الفيلم بلانش بوصفها هوية متصدعة، امرأة لم تعد قادرة على الانتماء إلى الماضي ولا الاندماج في الحاضر. وتتفكك هويتها مع كل توتر صوتي وكل اهتزاز جسدي، حتى تهمس: “أنا امرأة خُلقت من ورق… تكفي نسمة واحدة لتمزقني”. وتتحول الهوية في الفيلم من حالة اجتماعية إلى مرآة نفسية تنكشف أمام القسوة الذكورية المتسلطة.

وتتفتح الأسئلة الثقافية والسياسية حين يعالج الفيلم العلاقة بين الجنس والسلطة، وبين الطبقة والعنف، وبين المرأة الهشة والرجل المهيمن. ويطرح الفيلم نقداً مبطناً لهيمنة الذكورية الأميركية في منتصف القرن العشرين، ويجعل من بلانش ضحية لنظام لا يسمح للنساء بالنجاة إذا كنّ خارج القاعدة. ويتحول الفيلم إلى بيان اجتماعيّ يعلن سقوط كل وهم نبيل أمام واقع اقتصاديّ واجتماعيّ لا يرحم.

وتنصهر الأبعاد الجمالية في استخدام الضوء والحرارة والديكور الضيق الذي يتحول إلى جلد بصريّ يضغط على الشخصيات. ويحوّل كازان الكاميرا إلى شاهد على الانهيار، شاهداً لا يتدخل لكنه يلتقط الحقيقة بكل فظاعتها. ويغدو الفيلم لوحة رمزية تلخص الصراع بين الداخل والخارج، بين الرغبة والانهيار، وبين الإنسان وظله. وفي النهاية، تأخذ بلانش بيدها نحو المجهول وهي تقول: “اعتمد دائماً على لطف الغرباء”، وهي عبارة تستدعي كل الجروح التي تركها العالم على جسدها وروحها، وكل الأسئلة التي يتركها الفيلم معلّقة في وجه المشاهد.

جراح مفتوحة على الشاشة

تتفجّر المشاهد في فيلم “عربة اسمها الرغبة” كأنها شظايا نفسية، لا تُنسى لأنها جميلة فقط، بل لأنها موجعة وصادقة إلى حد الفضيحة. ويُدرك المتفرّج منذ اللقطة الأولى أن نيو أورليانز هنا ليست مدينة، بل حالة شعورية خانقة، وأن الشرفة والغرفة والشارع ليست أماكن، بل مصائد روحية.

وتدخل بلانش دوبوا وهي تحمل حقيبتها الواهنة ونبرتها المرتجفة، في مشهد الوصول الذي صار علامة سينمائية خالدة. وتبدو الكاميرا وكأنها تراقب امرأة جاءت متأخرة عن زمنها، تحتمي بالأوهام كما يحتمي الغريق بخشبة. وتهمس بلانش بصوت يكاد يتكسّر: “لطالما اعتمدت على لطف الغرباء”، فتتحوّل العبارة إلى مفتاح بصري ونفسي للفيلم كله، وتغدو اللقطة إعلانًا مبكرًا عن هشاشة ستُسحق ببطء.

ويتحوّل مشهد المواجهة الأولى بين بلانش وستانلي كوالسكي إلى صراع جسدين قبل أن يكون صراع لغتين. ويقف مارلون براندو بقامته الفظة وحركته الحيوانية في مقابل حضور فيفيان لي المرتبك، فتُصوّر الكاميرا هذا التناقض كأنه حرب بين عالمين. ويقول ستانلي بنبرة قاطعة: “الحقائق لا تحتاج إلى زينة”، فترد بلانش بنظرة مكسورة أكثر بلاغة من أي حوار، لتصبح اللقطة شهادة على عنف الحقيقة حين تُلقى عارية.

وينفجر المشهد الجمالي الأشهر حين يصرخ ستانلي باسم ستيلا تحت المطر. ويتحوّل الجسد المبتل والصوت الجريح إلى صورة خالدة للرغبة والندم والتملك في آن واحد. ولا يبدو الصراخ طلبًا للحب بقدر ما يبدو اعترافًا بالعجز. وتبقى ستيلا واقفة بين الشرفة والسلم، بين عقلها وجسدها، في لقطة تختصر مأساة المرأة المحاصرة بين العاطفة والوعي.

وتنزلق المشاهد اللاحقة نحو العتمة النفسية، خصوصًا في لحظات انكسار بلانش التدريجي. وتصبح الإضاءة القاسية مرآة لذهنها المتشقق، فيما تتحوّل الموسيقى إلى صدى داخلي للهلوسة. وتقول بلانش بعينين زائغتين: “أنا لا أريد الواقعية، أريد السحر”، فتختصر العبارة جوهر صراعها مع عالم لا يرحم الحالمين.

ويبلغ الفيلم المشهد ذروته حين تُقاد بلانش خارج البيت، ولا يحتاج المشهد إلى صراخ أو عنف مباشر، لأن الهدوء ذاته يتحوّل إلى جريمة. وتمشي بلانش بخطوات واهنة، وكأنها تسير خارج الحياة لا خارج المكان. وتهمس عبارتها الأخيرة كوداع أبدي: “كنت دائمًا أؤمن باللطف”، فتغدو اللقطة شهادة قاسية على سحق الروح الحساسة في مجتمع يحتفي بالقوة وامتلاك السلطة.

وتتجلى جمالية هذه المشاهد في قدرتها على تجاوز زمنها، وفي تحويل الجسد والصوت والفراغ إلى لغة سينمائية خالصة. ولا يعود الفيلم مجرد اقتباس مسرحي، وإنما يصبح سجلًا بصريًا عن الرغبة حين تتحوّل إلى لعنة، وعن الحقيقة حين تُستخدم كسلاح، وعن الإنسان حين يُهزم لأنه لم يكن قاسيًا بما يكفي.

وهكذا يبقى فيلم “عربة اسمها الرغبة” فيلمًا تُشاهَد مشاهده كما تُقرأ الجروح، ببطء وباحترام وبإحساس ثقيل بأن بعض الصور لا تبهرك، بقدر ما تُقيم داخلك طويلًا.

رقصة الألم والرهبة

يتداخل البطل مع المكان في فيلم “عربة اسمها الرغبة” بحيث يصبح المنزل في نيو أورليانز امتدادًا للنفس البشرية، وكأنه شخصية خاملة تتحرك بتأثير أفعال البشر وأعصابهم. وتبدأ بلانش دوبوا رحلتها في هذا المكان كما تبدأ المرأة في مواجهة نفسها، فتبدو الشرفة والغرفة الضيقة كخنادق نفسية، وسور البلكون كحاجز بين عالمها المثالي المتهاوى وواقع ستانلي العنيف. وتختلط الأضواء والظلال مع مشاعرها المتأرجحة، فتصبح الإضاءة وسيلة لتصوير التوتر النفسي، كما لو أن كل شعاع ضوء يكشف زاوية من هشاشة البطل وعمق معاناته.

ويتحول ستانلي كوالسكي إلى قوة محيطية، قوة المكان نفسه، ويمثل الجسد الفعلي للتاريخ والماضي الاجتماعي الذي يضغط على بلانش. ويجتمع الصراع النفسي والجسدي بينهما في كل زاوية من المنزل، فتصبح الغرفة المسدودة مساحة لمعركة القوة، والصالة الضيقة مرآة للصراع الداخلي، والشارع الضبابي انعكاسًا للاضطراب العاطفي الذي يعانيه كل منهما. وتقول بلانش في لحظة توتر شديد: “كل شيء ينهار داخلي قبل أن ينهار حولي”، فتغدو كلماتها جسرًا بين الداخل والخارج، بين ما يراه الجمهور وما يشعر به البطل.

وتتسارع المشاهد عندما تتحول المواجهات اليومية إلى استعراض للألم النفسي، حيث يظهر الحزن كظل يطارد كل خطوة، ويتحول الغضب إلى صدى صوتي يملأ الأرجاء. وتصبح نبرة مارلون براندو وارتجافه الطفيف أثناء المواجهات مفتاحًا لفهم البعد النفسي العميق، فلا يقتصر الفيلم على سرد الأحداث، وإنما على الغوص في أحشاء الشخصيات، في تداخل لا ينفصل بين الجسم والمكان والروح. ويضيف صوت المطر الخارج من النوافذ بعدًا رمزيًا، وكأنه يبكي مع بلانش ويحاكي تلاشي أملها، في حين يصبح كل صراخ وكل ضحكة مفصلاً في هذا الجسد النفسي الجماعي للمكان.

ويتحوّل كل أثاث وكل باب مغلق إلى أداة سردية تعبّر عن الرغبة والمأساة والخوف، ويصبح المشهد الداخلي المرئي خارطة للزمن النفسي للبطل. ويقول ستانلي في مواجهة صامتة: “الواقع أقوى من كل الأحلام”، فتخترق العبارة صمت المكان كما يخترق الألم جسد بلانش، وتظهر العلاقة الجدلية بين الإنسان ومحيطه، بين ما يحاول الفرد أن يحميه من نفسه وبين ما يفرضه الواقع عليه.

وتتجلى جماليات الفيلم في توازن دقيق بين الأداء الحسي والموسيقى التصويرية والإضاءة الموجهة، فكل عنصر مرئي وصوتي يصبح امتدادًا للبُعد النفسي، وكل حركة صغيرة تحمل معنى أعمق من مجرد الحدث، وكل نظرة تكشف صراعًا داخليًا طويلًا. ويغدو البطل هنا ليس فقط شخصية مركزية، وإنما مرآة لما يختبره المشاهد من رهبة وإثارة، حيث تختلط الرغبة بالخوف والأمل بالخيبة.

وتتضح الجماليات في الفيلم في هذا التداخل بين البطل والمكان والبعد النفسي، بحيث لا يمكن فصل أحد هذه العناصر عن الآخر، ويصبح الفيلم دراسة معمقة عن هشاشة الإنسان، عن مأساة الرغبة، وعن الحضور المكثف للواقع النفسي في كل زاوية من الحياة. وتظل الجملة الأخيرة لبلانش عالقة في الأذهان كصرخة صامتة: “كنت أحلم بعالم أرقّ، لكن العالم اختار أن يكون وحشيًا”، فتختم الفيلم بوزن نفسي يتجاوز الشاشة ويصنع صدى يبقى طويلًا بعد إطفاء الضوء.

يتجلى فيلم A Streetcar Named Desire كمرآة تتشظى فيها الرغبة والواقع، حيث تتحول الهشاشة إلى عنف، والحنين إلى ألم، والصمت إلى صرخة صامتة تملأ المكان بالأسى. ويستعرض الفيلم صراع الإنسان مع ذاته ومع محيطه، ويطرح أسئلة لا تهدأ عن القوة والضعف، الحب والخيبة، الحلم والواقع. ويقول ستانلي كوالسكي بصوت يختلط بالغضب والصدق: “أحيانًا يكون ما نختاره لإبقائنا أحياء هو نفس ما يدمرنا”، فتتحوّل العبارة إلى صدى نفسي يطارد المشاهد، ويترك تجربة بصرية وعاطفية تتفوق في عمقها وتأثيرها على حدود اللغة والروح.